Fantasia : le futur du genre

Le genre, qu’il soit littéraire ou cinématographique, a toujours été un exutoire des grandes peurs d’une société. « Dis-moi quel est ton monstre et je te dirai qui tu es » aime à déclarer le critique et historien du cinéma Jean-Baptiste Thoret dans ses conférences. Et quoi de mieux pour prendre le pouls du monde qu’un festival international de films de genre ? Voilà ce qui se passe chaque été à Montréal, au Québec, qui organise – dorénavant sur trois semaines – un festival où le fantastique, l’horreur, la science-fiction, l’animation et tout ce qui sort un tant soit peu de la norme ont leur place, dans des salles pleines à craquer d’un public qui n’a pas peur d’applaudir et de hurler de joie à chaque scène de violence un peu graphique, sans oublier de miauler traditionnellement avant chaque début de projection. Parce que les films sont souvent là pour chercher un distributeur, il n’est jamais assuré qu’un long-métrage que l’on y voit soit plus tard distribué en salles ou sur les plateformes. C’est ainsi l’occasion de découvrir sur grand écran des œuvres très indépendantes qui sortiront pour la plupart en direct to DVD. L’occasion également d’y dénicher les pépites de demain, avant tout le monde. 

Après deux saisons annulées et une autre exclusivement en ligne, à cause de la pandémie, Fantasia revenait cet été en grande pompe avec plus d’une centaine de longs-métrages en compétition et autant de courts-métrages venus des quatre coins du globe, mettant cette année l’Asie à l’honneur en lui consacrant un large cinquième de sa programmation. Fantasia est surtout l’occasion de rencontrer les équipes de tournage des œuvres projetées, qui viennent souvent au grand complet (malgré l’absence des acteurs américains cette année pour cause de grève, et celle tant regrettée de Nicolas Cage qui devait y être l’invité d’honneur et recevoir un prix pour l’ensemble de sa carrière). Des équipes avides de discuter avec le public, de recevoir leurs premières impressions, leurs opinions et leurs interprétations dans ces projections qui sont, la plupart du temps, des premières mondiales. De cinéastes obscurs à d’autres bien plus établis (tel Xavier Gens, qui est venu nous présenter son Farang avec une grande humilité, rendant hommage à Park Chan-wook et son Old Boy, dont la nouvelle restauration 4K était présentée enfin sur grand écran), Fantasia reste à échelle humaine et tout le monde y est accessible. Force est de remarquer que les maîtres mots des cinéastes, au cours des discussions post-projection, étaient bien souvent « épidémie », « maladie », « confinement », « solitude » ou encore « dépression ». Il est fascinant de noter la déclinaison de ce thème à travers les différents genres, et la manière dont chaque artiste a vécu et retranscrit, à sa façon, dans son univers, l’angoisse existentielle de ces trois dernières années. Vous ne verrez peut-être jamais les films dont les lignes suivantes vont vous parler, mais leur simple description (sans spoilers, au cas où) suffira à vous montrer ce que cette bulle de genre traduit de la société de 2023 (à la façon dont le cinéma américain des années soixante-dix traduisait les angoisses post-Vietnam, assassinat Kennedy et Watergate, comme celui des années 2000 a souvent été un cinéma « post-11 septembre »).

Par Victor Norek

Pour Larry Fessenden dans Blackout, c’est à travers le mythe du loup-garou – qu’il traite comme une maladie contagieuse – qu’il aborde sa vision de l’épidémie. Il y développe l’idée de transmission et de responsabilité, à la fois dans la lycanthropie et dans la paternité, ce rapport entre parents et enfants qui a été au cœur des préoccupations de tant de personnes. C’est également sous le prisme de la transmission que John Rosman dans son New Life, relit l’épidémie, mais cette fois, avec la propagation d’un virus qui transforme ses victimes en zombies, quelques jours après transmission. Le parti pris du cinéaste consiste à adopter majoritairement le point de vue de sa protagoniste, qui est porteuse-saine du virus, sans le savoir, et se voit donc poursuivie sans relâche (et sans comprendre pourquoi) par le gouvernement qui cherche à la mettre en quarantaine. Elle contamine ainsi son entourage, sa famille, ses amis, les étrangers qu’elle croise, et ceux qui, pourtant, sont souvent là pour l’aider. La métaphore ne pourrait être plus claire que si le virus avait porté un nom en cinq lettres.

Jared Moshé, dans son Aporia, aborde cette période difficile à travers la perte d’un être cher, qui est le nœud de son intrigue sur le voyage temporel, questionnant la valeur d’une vie par rapport à une autre. Tueriez-vous par avance celui qui va tuer votre mari par accident ? Changeriez-vous d’avis si vous étiez confronté ensuite à sa famille en deuil ? L’un des rares films qui réfléchit sur le principe même de la physique quantique, qui dépend du point de vue de l’observateur, où le monde entier change autour de lui, mais pas pour cet observateur, qui est forcé de vivre avec les conséquences de ses choix, ce qui est redoublé par la mise en scène, très brute, qui ne se défait jamais du point de vue de sa protagoniste. C’est aussi ce refus du deuil qui hante Birth/rebirth de Laura Moss où une mère refuse le décès de sa fille, morte de façon fulgurante suite à sa contamination par un virus. À l’aide d’une médecin légiste, ces deux femmes vont revisiter le mythe de Frankenstein dans un miroir qui réfléchit sur le principe féminin du don de vie, où c’est désormais la scientifique qui se retrouve parée de cicatrices et non la créature, toujours dans cette optique d’inversion.

Pour Zach Clark dans The Becomers, tout repose sur l’enfermement dans une routine, cloîtré dans une maison, pour réaliser que les gens qui nous entourent ne sont pas ceux que l’on pensait être. Il développe cette thématique dans une aventure de deux extraterrestres métamorphes non genrés qui tentent de se retrouver après avoir débarqué sur Terre dans deux capsules séparées. Les circonstances les ont éloignés, mais iels vont tout braver pour se réunir, surtout des conspirations politiques et des proches qui ne sont pas ce qu’ils paraissent, eux non plus. Cette idée d’être enfermé avec sa famille sans rien y pouvoir faire est également le thème du Hippo de Mark Rapaport, où une mère se retrouve confrontée à son fils adolescent qui a décidé qu’il était Dieu, et agit comme tel chez lui. Un des nombreux enfants totalitaires dans cette sélection de longs-métrages où l’on sent bien que les parents n’ont pas toujours passé un très bon confinement en compagnie de leur progéniture…

Mais il y a de multiples façons d’aborder cette période, et Michael Lukk Litwak a choisi la voie de la comédie romantique. Il s’en approprie les codes dans Molli and Max in the Future, une aventure de science-fiction totalement fauchée, tournée dans une pièce grande comme une cuisine parisienne, entièrement sur fonds verts, rétroprojections et magnifiques miniatures, transpirant l’amour du septième art et du système D à la Roger Corman. Une histoire d’amour contrariée par des séparations forcées sur fond d’élection politique où la galaxie semble ne porter d’attention qu’au candidat au teint orangé qui leur promet pourtant d’annihiler l’univers et de donner leurs âmes en pâture aux forces démoniaques. Une lecture très politique des troubles de l’Amérique que Jenn Wexler soulève aussi dans son Sacrifice Game, en situant son récit dans les années soixante-dix. De son propre aveu (nous lui avons posé la question), elle utilise cette période sombre comme un double de notre époque, évoquant des théories conspirationnistes trouvées çà et là sur le net à travers une bande de jeunes qui commet des meurtres rituels à travers le pays, persuadés que ces crimes leur permettront d’invoquer un démon qui exaucera le moindre de leurs souhaits. 

Ces dérives s’étendent aux réseaux sociaux et à la décomplexion totale que certains trouvent sur internet dans What You Wish For de Nicholas Tomnay. Dans ce film, le réalisateur développe l’idée que les limites ont totalement disparu quand il s’agit de satisfaire ses pulsions grâce aux services en ligne, au prix de la souffrance et de la vie d’autres êtres humains dont ils se repaissent littéralement. À travers le personnage principal d’un récit terrifiant qui tourne en boucle, il nous montre à quel point nous faisons tous partie intégrante de ce système, même sans le vouloir vraiment.

Sur une note tout aussi déprimante et angoissée, Rachel Lambert dans son Sometimes I Think About Dying décrit le sentiment d’isolation de son personnage principal, incarnée par Daisy Ridley, à travers sa fascination pour les pulsions de mort. La protagoniste découvre avec terreur qu’elle se sent seule, même en communauté, décryptant ainsi le nouveau rapport à l’autre qui s’est développé avec le télétravail. Elle se retrouve ainsi à son bureau, entourée de ses collègues, mais s’y sent aussi solitaire que si elle était chez elle, ne communiquant avec eux qu’à travers les services de messagerie en ligne alors qu’ils partagent le même espace, à quelques mètres à peine, en incapacité totale de communication verbale.

Mais il n’y a pas qu’en Amérique que l’épidémie et les confinements ont marqués les esprits, chose que l’on retrouve dans le délirant River de Junta Yamaguchi. L’intrigue se tisse autour d’une boucle temporelle de deux minutes dans un ryokan, une auberge traditionnelle de Kyoto, qui empêche les personnages de s’éloigner d’un endroit où ils semblent enfermés à jamais, revivant sans cesse la même histoire, la même routine, bloqués dans un confinement éternel dans un lieu qu’ils n’ont pas choisi. Un long-métrage que l’on conseille très fortement, tant il est à la fois émouvant, drôle et d’une rare intelligence d’écriture.

De l’autre côté de la mer du Japon, en Corée du Sud, Jung Bum-shik, dans son film à sketches New Normal explore la façon dont, aux prises avec une société qui a évolué pour le pire, l’inimaginable est devenu le « nouveau normal ». L’insécurité règne jusque dans son domicile, de l’agression par l’employé du gaz à la révélation que la voisine de palier est une tueuse, en passant par le fait que l’adorable mamie que l’on aide à l’abribus ne cherche qu’à nous dépecer pour vendre nos organes. Des personnes avec qui l’on échange sur internet jusqu’aux clients que l’on sert à la caisse de l’épicerie, le sentiment de sécurité ne semble plus exister nulle part.

La terreur n’est pas non plus le maître mot de ce festival, et il faut conclure ce petit article avec quatre coups de cœur personnels qu’il ne faudrait pas rater s’ils se présentent à vous, quatre longs-métrages venus d’Asie. Tout d’abord, le délirant Killing Romance du Sud-coréen Lee Won-suk, une comédie virevoltante et surexcitée au sujet d’une ancienne actrice sur le retour qui cherche à sortir de sa prison dorée grâce à un irréductible fan et à l’aide – entre autres – du sauna le plus chaud du monde, d’autruches et d’avions en papier. Un film dont les plans virevoltants n’ont d’égal que l’outrance des comédiens dans un tout pourtant incroyablement cohérent et subtil. Le deuxième est le bien plus sobre Phantom de Lee Hae-Yeong (qui vient juste de sortir en Blu-ray en France), également Sud-coréen, à l’esthétique baroque marquée tant dans la composition des plans que dans les couleurs, narrant l’histoire de deux femmes à travers la résistance de la Corée à l’occupation japonaise au début des années trente. Passant de drame d’espionnage au whodunit digne d’Agatha Christie, jusqu’au film d’action sous adrénaline, le film assume un mélange des genres dont seuls les Sud-Coréens ont le secret.

Après cette excursion coréenne, envolons-nous pour la Chine, où la réalisatrice Liu Siyi nous propose, avec Flaming Cloud, un drame fantastique vu, à la façon de la mythologie grecque, comme une querelle entre les Dieux qui parient sur l’existence ou non de l’amour véritable, en faisant naître un protagoniste qui devra trouver l’amour malgré sa malédiction : chaque personne qu’il embrasse tombe dans un profond sommeil. Narré par un chœur musical qui n’aurait pas dépareillé dans une tragédie grecque, Flaming Cloud est à la fois bouleversant, féérique et coloré, une œuvre comme on en voit peu. Cette brève description pourrait tout aussi bien s’appliquer à ce dernier coup de cœur : Journey to the West du chinois Dashan Kong, un faux documentaire dont se dégage une rare émotion, nous poussant à réfléchir, de manière absurde, à la place de l’homme dans l’univers. Chose assez improbable étant donné son sujet : un scientifique raté qui part en quête d’un vaisseau extra-terrestre à travers la campagne chinoise, accompagné d’une équipe au rabais composée d’un caméraman, d’un sous-fifre qui se protège des rayons aliens à l’aide d’une casserole sur la tête et d’une ancienne collaboratrice dont la rancœur à son égard la ronge, créant ainsi des dialogues explosifs, alors que nos héros sont à moitié embourbés dans des rizières ou des forêts de bambou, sous la pluie battante, en quête du secret absolu de l’univers que nous aurons la rare chance de pouvoir partager avec eux…

En bref, Fantasia est là pour nous donner envie de dévorer du cinéma, mêlant ratés et miracles : une étape incontournable pour quiconque s’intéresse de près ou de loin au genre, et surtout, un festival incroyablement accessible qu’il serait dommage de rater si l’occasion vient à se présenter...

Par Victor Norek